101、抱貂女郎达芬奇 意大利 木板油画 1485-1490年 54×39厘米 现藏于波兰克拉科夫恰尔托雷斯基博物馆
这幅精美的肖像画，画面人物气质高贵沉静，女郎怀抱的白貂毛色光润，栩栩如生，充满朝气，充分体现了达·芬奇高超的绘画技巧，而形态逼真的白貂使画面生动了起来。这幅肖像画最引人注目的地方是明暗的处理，画家运用光线和阴影衬托出抱貂女郎优雅的头颅和柔美的脸庞。形神兼备，使得这幅肖像画得到世人的推崇。这个抱貂女郎的名字是切奇莉亚，是达·芬奇为他在米兰时期的赞助人洛多维科的情妇之—，米兰宫廷的红人。
达·芬奇( da Vinci 1452-1519)，全名为莱昂纳多·达·芬奇，是与拉斐尔，米开朗基罗齐名的意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表，人类历史上最伟大的画家。他生于佛罗伦萨郊区的芬奇小镇，因此取名叫芬奇。他是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。达芬奇是一位天才，人类智慧的象征。他取得最大的成就是绘画，《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画，《蒙娜丽莎》则为世界上最著名、最伟大的肖像画。这两件誉满全球的作品使达·芬奇的名字永垂青史。达芬奇晚年极少作画，潜心科学研究，他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。
102、莫第西埃夫人安格尔 法国 1856年 油画 120×92厘米 伦敦国家美术馆藏
安格尔于1851年曾为莫第西埃夫人画过一幅肖像。他在给朋友的信中说他为莫第西埃夫人画像相当疲劳，想摆脱但不可能：“这倒霉的肖像置我于这般苦境，这是末了一次画我那可爱的美人儿了，可现在我还得画她的项链、戒指和手镯，最后还要润色补笔。这幅画在整整七年中这样沉重地压着我的生活。”从中可见这幅画画的时间很长，是在1851年画的那幅基础上完成的另外一幅。画家作画非常严谨而认真，这是古典主义画家作画的共同特点。安格尔的肖像成就是他的艺术丰碑。
让－奥古斯特·多米尼克·安格尔 法国画家。1780年8月29日生于蒙托邦，1867年1月14日卒于巴黎。他的父亲约瑟夫·安格尔是蒙托榜皇家美术院院士，母亲是皇宫假发师的女儿。自小父亲就培养他对艺术的兴趣，1791年安格尔被父亲送到图卢兹美术学院学习，1797年17岁时到巴黎，投入到雅克·路易·大卫的门下。经过大卫和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。
103、夜间咖啡馆凡高 荷兰 1888年 布油彩 纽黑文耶鲁大学美术馆
凡高由于工作过度紧张，身心疲乏，因此晚上经常光顾离他住所不远的拉马丁广场的咖啡馆，用酒或咖啡来提神解乏。那里灯火的颜色和室内陈设的红、黄色，像白天的阳光那样明亮，激发了他创作的激情。他曾说过：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”这幅画是由绿色的天花板、血红色的墙壁与不和谐的绿色家具组成的梦魇。金黄色的地板呈纵向深远的透视，以难以阻挡的力量进入到红色背景之中，反过来，红色的墙壁背景也以均等的力量与之抗衡。而天花板的深重蓝色压迫下来令人窒息。他告诉提奥“我画《夜间咖啡馆》是想表现一种想法，即所谓的咖啡馆就是让人沉沦、发狂和犯罪的场所”。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验，具有震撼人心的力量。
104、田园合奏乔尔乔内和提香 意大利1510-1511年110cm×138cm 布 油彩 巴黎卢浮宫藏
《田园合奏》又称《乡村音乐会》，是乡土自然美和女性裸体美的绘画结合，不仅表现了画家对时代精神的探索，还反映了16世纪以来威尼斯绘画风格的审美理想。这件作品先是由乔尔乔内绘制，后由提香继续完成的。这件作品展示了一幕耽于幻想的神、人心灵交流的幻境，充满神秘的诗意，体现了当时人们对美的梦幻般向往。
乔尔乔内 (1477～1510) 是第一个真正意义上的意大利威尼斯画派画家，架上画的先行者。早年师从威尼斯画派创始人贝利尼，后来发展了老师的成就。其作品构图新颖，色彩柔和具有丰富的明暗层次，情景与人物配合和谐。这一画风直接影响了提香及后代威尼斯画派画家。与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等并列为最伟大的画家。
105、夏庞蒂埃太太及子女像雷诺阿 法国 1878年 布油彩 纽约大都会博物馆
雷诺阿脱离印象派团体转向官方沙龙，他以这幅画在官方沙龙获得相当大的成功。夏庞蒂埃太太是福娄拜和左拉著作的出版商的妻子，她的沙龙是当时许多知识界名人和政界要人经常涉足的场所。她利用这种方便为雷诺阿和她自己作宣传。这使雷诺阿开始“流行”起来了，人们发现他可以也能够满足资产者及贵夫人的趣味。画中人都很秀雅，构图完全依据上流社会的讲究安排，夫人充满善良的美德，两个女儿虽小却有教养，环境和道具增加了高贵富丽的气氛。这幅画不是雷诺阿所追求的风格，有人说它是一幅体面而非艺术的杰作。
106、拿烟斗的男孩1905年 毕加索 西班牙 100×81cm 布面油画 德国犹太富商格奥尔格先生收藏
这幅画创作于1905年，是毕加索“玫瑰色时期”的代表作之一。时年毕加索24岁，刚刚在法国巴黎附近的蒙马特尔定居不久。画中年轻的巴黎男孩被毕加索称为“小路易”，他常到毕加索的画室消磨时光，毕加索以他为模特创作了这幅《拿烟斗的男孩》。画中的“小路易”穿着蓝色的工作服，左手拿着烟斗，头戴花环，背景是两大束花，看上去颇有几分中国画的味道。这画色彩清新明快，笔法细腻，人物和景致都刻画得非常生动逼真，是毕加索一生中很有代表性、也很经典的作品之一，画面集中展现了一位表情有点忧郁的青春期男孩。2004年5月5日，这幅画在伦敦举行的苏富比拍卖会上以1.0416亿美元的天价被德国的犹太富商格奥尔格先生收藏，在当时这个价位创造了世界名画拍卖史的最高纪录。
107、布道后的幻象高更 1888年 油画 730×92厘米 爱丁堡苏格兰国立画廊藏
这幅油画又称《雅各与天使搏斗》，是《圣经·创世纪》中的故事。画中一群布列塔尼农妇在听完布道之后，眼前出现了《圣经》中“雅各与天使摔跤”的幻象。实际上，高更是要借这种宗教传说与现实生活的结合，来表现他自己的幻想。高更以一根斜伸的树干将画面分为两部分。农妇们的形象被画在左下方；她们戴着白色宽帽，在黑色衣裙衬托下，显得尤为夺目。画家有意夸张了前、后景人物在透视关系上的大小比例，使前排人物占据大半个画面，而与后景的形象形成强烈反差。画的右上方，则描绘的是农妇们所产生的幻觉：带翅膀的天使与雅各扭在一起，显得难分难解。画中所有形象都被大块的红色背景所衬托，既可代表田野，也可代表天空。画中强烈的色彩，都是非自然主义的，完全是由画家的主观感情所决定，充分显示了高更的综合主义画风。
108、生活的欢乐马蒂斯 1905年 油画 174×238厘米 美国宾夕法尼亚州梅里恩·巴恩斯基金会藏
《生活的欢乐》也许是马蒂斯漫长的艺术生涯中最重要的作品。这幅画，比他的其他作品更为清楚地体现出野兽派绘画的特质。画中平涂的色彩、弯曲起伏的线条以及那些富于原始稚趣的人体造型，显示出高更的影响。甚至连画中的主题——人在大自然中的生活状态，也让人联想到高更在塔希提岛所向往的那种理想生活。其实，这幅画直接源于马蒂斯1905年夏季在西班牙边界附近的柯里欧尔渔村的生活，它同时也与多少世纪以来一直在欧洲人头脑中萦绕的，摆脱尘世丑恶与烦恼的神秘乐园——阿尔卡迪亚乐土的古老梦想，有着极为密切的联系。画面的远景是深蓝的大海，近景的海滩及草地上，点缀着各种姿势和动态的人体。画中人物的造型．让人联想起希腊瓶画上的人物形象。画中扭曲的形体与蜿蜒起伏的曲线，显示出与新艺术运动的某种联系；在画面的最左边，那个被常春藤所缠绕的、水蛇形的女人体，看起来不象一个人而更象是一座新艺术风格的台灯；而右边前景的一对拥抱、热吻的情人，则似乎是共有着一个头部。画中纯净而明亮的色彩，表现出画家的精神世界与自然的内在和谐。
109、聊天尤金·冯·布拉斯 意大利 约1880年 布面油画 私人收藏
画家的这幅作品比较著名，被国内出版商用于一部诗集的封面。这部书是冰心翻译的印度大诗人泰戈尔的《园丁集》。画面绿色盎然，笑脸相迎，充满温馨和愉快。与冰心译的诗句“三月风吹的一天，春天倦慵地低语，芒果花落在地上”非常贴切，诗与画都有一股挡不住的清新与芬芳，仿佛看到一个亮丽而清透的世界，一切都是那样的纯净、美好，使人与不知不觉中体味快乐与青春的味道。
尤金·冯·布拉斯（ von Blaas），1843年7月24日－1932年2月10日），生于意大利罗马附近的阿巴诺（），双亲均为奥地利人，自小跟随父母一起搬到威尼斯生活。他是19世纪晚期意大利学院艺术派古典主义画家，擅长创作以表现现实生活场面为主题的现实主义画作。通过他的画，人们可以对19世纪末欧洲平民阶层的生活有更进一步的了解。他的父亲卡尔·布拉斯（Karl Blaas）也是威尼斯美术学院的教授，从小尤金·布拉斯就跟着父亲学画，可以说他的父亲一直是他的绘画老师。尤金·布拉斯经常在威尼斯描绘那里众人们的生活场面。后来他成为威尼斯美术学院的终生教授。
110、最后的晚餐达芬奇 意大利 1495-1498年 壁画 现藏米兰圣玛丽亚德尔格契修道院餐厅
壁画《最后的晚餐》无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。这幅画，是画家达芬奇直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。他的左、右两边各有6个弟子，他们每3个人为一组，从而使画面显现出丰富的，动的韵律。朝着耶稣从右起的人物依次是多马、大雅各、腓力、马太、达太、西门；在左边的是约翰、彼得、犹大、初得烈、小雅各、巴多罗买。众多弟子中，以呈惊愕状的叛徒犹大的姿态格外引人注目。画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。这幅画无论从构思的完美、情节的紧凑、人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟，都堪称画家艺术的代表，也是人类最优秀的绘画作品之一。
莱昂纳多·达·芬奇( da Vinci 1452-1519)，是与拉斐尔，米开朗基罗齐名的意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表，人类历史上最伟大的画家。他生于佛罗伦萨郊区的芬奇小镇，因此取名叫芬奇。他是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。达芬奇是一位天才，人类智慧的象征。他取得最大的成就是绘画，《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画，《蒙娜丽莎》则为世界上最著名、最伟大的肖像画。这两件誉满全球的作品使达·芬奇的名字永垂青史。达芬奇晚年极少作画，潜心科学研究，他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。
111、织花边的姑娘维米尔 油画 1665年 24×21厘米 巴黎卢浮宫藏
《花边女工》是维米尔的代表作，以诗意化的方式描述一个在编织蕾丝的女工那种专注平和的神情，以一种抒情情调给人美的享受。维米尔与同时代画家的不同之处在于，他以极端、甚至颤抖的感光度来表现光线，喜欢用蓝色和柠檬黄两种色彩组成十分和谐的色调。他的作品中特别的光感，实际上是借由一种新的技巧而达成的。这种技巧部分依靠光学实验，但主要是依靠着观察，以及对色彩微妙的渗透反映的直觉。他捕捉色彩光亮的方法相当特别，以微小的如珍珠的亮点构成物体轮廓，作品中的焦距平均分配，因此显得平静与客观。
约翰内斯·维米尔（ ，1632—1675）荷兰最伟大的画家之一，但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。维米尔留传下来的作品只有40幅左右，其中多数都是绘画精品。被称为“荷兰小画派”的代表。
112、情书维米尔 1669-1670年 油画 44×38.5厘米 藏阿姆斯特丹国立美术馆
主妇在里面的起居间坐着弹琴，悠闲中显出一种百无聊赖的神情。这时，女佣给他送来一封她所期盼的书信，两人面面相觑，虽无言语却能意会。这是弗美尔描绘闺房妇女生活中最富典型意义的一幅画。弗美尔比较喜欢运用柠檬色，形象也很鲜明，光线对比较柔和。在他的笔下，一切事物都是很干净的，这是当时的市民生活特色，德尔夫特城素以清洁城市而著称。在弗美尔的画上，这种洁净的特色是被他以细致入微的色调再现出来的：柠檬黄、绿、紫色在和谐地、细致地结合，于是，观者眼前所见的一切便显得一尘不染。
约翰内斯·维米尔（ ，1632—1675）荷兰最伟大的画家之一，但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。维米尔留传下来的作品只有40幅左右，其中多数都是绘画精品。被称为“荷兰小画派”的代表。
113、炮声费尔德 荷兰 1672年 布面油画 78. 阿姆斯特丹国立美术馆藏
费尔德是荷兰著名的海洋画家，画风轻快，色彩追求透明感，构图空阔。在这幅《炮声》中，明亮的色调表达了一种清新的空气感，而且厚涂的颜料层焕发出的是釉彩般的光泽。画家通过对帆船与云彩运动感的描绘，体现出了自己独特的风景画技巧。
作者简介：威廉•范•德•费尔德（ van de Velde 1633-1707），荷兰著名的海洋画家，他的父亲和哥哥都是画家。他是受他父亲的训练，以在面板上精确地用单色表示船只而闻名。他一直定居在阿姆斯特丹，直到1672年，由于法国入侵带来的经济崩溃，他被迫搬到英国谋生。到1674年，他和他的父亲开始为查理二世服务，他在1691年搬到威斯敏斯特之前，在格林威治女王府有一个工作室。他的油画厚重单纯，富有传统绘画的艺术魅力。他善于利用光线的明暗效果，并以此渲染画面气氛，画风轻快，色彩追求透明感，构图空阔。他的油画技巧在同代荷兰风景画家中是比较突出的。
114、诗人的灵感普桑 法国 约1630年 油画 184×214厘米 巴黎卢浮宫藏
画的中央坐着神话传说的阿波罗。他是一个体格健壮的青年牧人，头戴桂冠，这是他追求女神达芙妮失败的纪念物。阿波罗狂恋达芙妮不成，达芙妮变成一棵月桂树。阿波罗摘下了月桂枝叶编成桂冠，以为怀念。他右手还支着一架从众神的使者赫耳墨斯处获得的七弦琴，正在命他的缪斯之一欧忒耳珀记下他心中被灵感激发的诗句。那个记着诗句的缪斯似乎有所悟，正仰起头望着天空。天使与另一缪斯女神围在他的身边，期待着阿波罗的泉涌般的灵感。太阳神阿波罗是主管光明、青春、医药、畜牧、音乐与诗歌的神。缪斯神也常与他作伴。普桑把这些人物作为诗与音乐的象征进行描绘，正是他崇拜古典艺术的思想表现。这幅作品构图平稳，严谨端庄的造型和大块平涂的色彩处理，造成一种少有的伟大庄重的寂静感，具有古典理想主义的特征。
尼古拉斯·普桑( ，1594－1665年)是17世纪法国巴洛克时期重要画家，也是17世纪法国古典主义绘画的奠基人。他崇尚文艺复兴大师拉斐尔、提香，醉心于希腊、罗马文化遗产的研究。普桑的作品大多取材于神话、历史和宗教故事。画幅虽然不大，但是精雕细琢，力求严格的素描和完美的构图，人物造型庄重典雅，富于雕塑感；作品构思严肃而富于哲理性，具有稳定静穆和崇高的艺术特色，他的画冷峻中含有深情，可以窥视到画家冷静的思考。如果说法兰西民族绘画形成于17世纪，那么普桑可谓“法兰西绘画之父”。《阿卡迪亚的牧人》为其重要代表作
115、年轻的女孩与花束卓别林 法国 1881年 布面油画 45.7×65.4cm 私人收藏
这幅画描绘了一个手挎花篮的年轻女孩。她穿着白色皱褶上衣，黄色长发象瀑布一样从双肩倾泻而下，红润的脸蛋，专注的眼神，莫不勾起观者的怜爱之情。作者是查尔斯·乔舒亚·卓别林（ 1825一1891），法国画家和雕塑家，他的肖像妇女绘画，往往朦胧而含蓄。
作者：查尔斯·乔舒亚·卓别林（ 1825一1891），法国画家和雕塑家。他的父亲是英国人，他的母亲法国人。1845他进入沙龙，成为一名肖像和风景画家。1947年9月，成为了皇家艺术学院中的一名成员。他的早期作品，从1848到1851，其特征在于由现实主义已经恢复了时尚而引起关注。他的肖像妇女绘画，往往朦胧而含蓄。
116、乌菲齐美术馆收藏室左法尼 英国 1772-1778年 布油彩 124×155厘米 伊丽莎白二世收藏
佐法尼描绘风俗场面技巧是画史上罕见的，在这幅美术馆的收藏室里存放着大量的历史名作，绘画、雕塑、工艺品应有尽有，安放杂乱无序，空间里因透视而使名画变形，各种人物穿插其间，有画中人和现实的人，画家以高超的造型技巧描绘得逼真，显现出不同对象的空间质量感，可见画家深厚的综合艺术功力。
约翰·佐法尼 (1733-1810年) 是英国皇家美术学院创建人之一，他擅长于描绘人物众多场面的风俗画，偶尔也画肖像画。佐法尼早年曾在德国和意大利学习绘画，28岁时来到伦敦，拜倒在荷加斯门下学习和从事风俗画创作。
117、丁香花束蒂索 法国1875年 布面油画50.8×35.6cm 伦敦理查德·格林美术馆藏
这是一幅色调优美、充满浪漫气息的油画。在绿色植物构成的背景前，身着白色长裙的女孩，手捧丁香花瓶，亭亭玉立。白色的长裙与繁茂的丁香花朵交相辉映，丁香花香溢满画面，使画面充满诗意与浪漫情调。
雅姆·蒂索 (1836-1902)，是英国维多利亚时代新古典主义画派代表画家。出生在法国南特（法国西部港口城市）一个中产阶级家庭。他最初在巴黎的 Beaux 艺术学习艺术。他的早期画主要是历史，最有成就的是伦敦社会生活的绘画，这其中诞生了著名的画作“Too Early”。一个伟大的艺术家与他美丽堕落的女人及其一个悲惨的爱情故事。这就是他的一生。
118、休息列宾 俄国 1882年 布面油画 .5cm 俄罗斯特列恰柯夫美术馆藏
这是列宾为妻子维拉·列宾娜的画像。她看起来年纪很小，正安详地睡着，仪静体闲，不胜娇柔，在红色的座椅、红色的衣服、红色的裙子映衬下，更显得肤如凝脂，天生丽质，楚楚动人，散发着青春和美的气息。
列宾（Идья Ефимович Репин 1844-1930），俄国19世纪末最伟大的现实主义画家，巡回览画派重要代表。出 生于哈尔科夫，在彼得堡美术学院学习。1873-76年先后旅行意大利及法国，研究欧洲古典及近代美术。回国后勤奋作画，创作了大量的历史画、风俗画和肖像画，表现了人民的贫穷苦难及对美好生活的渴望。1878年，他参加巡回展览美术协会。代表作品有《伏尔加纤夫》、《宣传者被捕》、《意外归来》、《查波罗什人复信土耳其苏丹》及《托尔斯泰》等。
119、娜娜马奈 法国 布面油画 1877年 收藏于德国汉堡艺术馆
马奈的成就主要体现在人物画方面，第一个将印象主义的光和色彩带进了人物画，既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩，使人物形象栩栩如生。这个镜子前的女子，就给人留下深刻印象。马奈的绘画中有很多描绘女性作品。他的模特不限于多利安·莫涵和他的妻子苏珊娜·里郝夫。在绘画《白兰地》(La Prune) 中，马奈用女演员埃伦·安德雷显示主人公满足的、忧郁的梦幻。与《奥林比亚》中显示的一样，马奈毫无掩饰地描绘交际花或”动物”的生活。其中最有名的是《娜娜》(1877年）。作品中的女主人公以女演员海里艾特·郝瑟尔为模特，光线明亮与严肃沉重的《奥林比亚》相异。另一种解释认为，马奈受左拉的小说《小酒店》的启发，娜娜，一个尚未出场的女孩，正是梳妆的景象。当然该画也被1877年的巴黎沙龙拒之门外。
马奈（1832-1883）擅长擅画巴黎生活。马奈是地道的巴黎人，出身于上流社会。父亲是法官，希望马奈也能成为律师或官员，但他执意学画。他的作品取材于巴黎的生活，主要是画那些在阳台上、公园里、赛马场、游船上的人们。他还是一位非常出色的肖像画家。在印象派初期，他表现了一个画派领袖的才干，是一位承前启后的大师。代表作品有《奥林匹亚》、《草地上的午餐》、《吹短笛的男孩》等。
120、梳妆的妇人提香 意大利 布面油画 约1520年 巴黎卢浮宫藏
在这张半身肖像画中，提香通过美丽的容颜、温柔而自信的目光、丰满的面颊与裸露的肩和胸脯，塑造了一个发育完美、洋溢着青春活力的美丽女性形象，她象一朵盛开的鲜花，生动的展现在我们面前。可以说在此之前，在文艺复兴绘画中，还没有一幅作品描绘过如此健美的、充满旺盛生命力的女性形象。
提香( 1490-1576)意大利文艺复兴后期的伟大画家,威尼斯画派的代表。生于皮耶韦-迪卡多雷，1576年8月27日卒于威尼斯。青年时期一度与乔尔乔涅紧密合作，乔尔乔涅死后即成为威尼斯画派领袖，在文艺复兴画坛活动60余年，作品遍及西欧各国，以绚丽色彩和健美造型树立了新的艺术典型，可与米开朗琪罗、拉斐尔等为首的佛罗伦萨艺术传统争雄，对西方艺术影响极为深远。
121、礼赞维纳斯伯恩琼斯 英国 1873-1878年 布面油画金色漆 英国纽塞兰恩美术画廊
这幅画《（Laus ）》是伯恩琼斯最著名的一幅作品，也是他最成功之作。当这幅作品在格罗斯威诺画廊展出时，引起了观众的注意。它的华丽的色彩，梦幻般的优美以及闪光的画面效果使它成为画展中最引人注目的作品。这是伯恩琼斯构图和图案运用的代表作之一。取材于德国传说特纳豪森。理查德.瓦格纳（十九世纪欧洲最著名的浪漫派作曲家、歌剧改革家）曾在1861年于巴黎上演了他的歌剧《特纳豪森》。尼采曾在巴塞尔任教的时候，经常去拜访这位音乐大师，度过了他一生中最愉快的时光。同时瓦格纳也是唯美诗人斯温伯恩的倾慕者，斯温伯恩曾在1866年创作了与此画同名的诗歌献给伯恩琼斯。
伯恩·琼斯（ Burne-Jones，1833-1898 ）， 英国画家和设计家，第二代拉斐尔前派的领导人物，也是拉斐尔前派理想的热情支持者与实践者。拉斐尔前派艺术中中世纪的神秘的元素深深吸引了原本就喜爱神话传说的伯恩琼斯。伯恩琼斯以亚瑟王传说，圣经故事，希腊神话为主题创造了一大批充满浪漫主义情调的杰作。清晰的肌肉描绘，无力的姿态和中性的人物造型是伯恩·琼斯画风的特点，他用这些要素创造出了一个非人间的、超世俗的艺术氛围。代表作《梅林的诱惑》、《国王与乞食少女》。伯恩·琼斯在给友人的信中说：“我在我的作品中创造一个美丽而浪漫的梦境，它不曾存在过，将来也不会存在。那光线比任何现实中的光线都要美，那片大陆不存在于任何人的记忆中，形式庄严而美丽，你能想象么……”。
122、破壶格瑞兹 法国 约1748年 布面油画 椭圆108×86.5厘米 现藏巴黎卢浮宫
“破壶”，是法国民间俗语，即少女失去童贞的象征。就这一含义来说，画上的主人公应是一个受谴责的对象。但在这个时髦的椭圆形画框里展现的，却是一个十分可爱、秀丽多姿的妙龄淑女。画中用色匀称，笔触细腻，素描是古典主义风格的。而挂在这位显得天真、纯洁的少女的右腕上的那只破壶，反而成了不引人注意的细节。从背景的处理到人物衣纹的严格描绘来看，这幅肖像画是一幅十足的学院派风格的古典油画。当这幅画展出时，引起公众的强烈反应，提高了画家在画坛的地位。《破壶》的模特儿原是画家追慕中的少女，不久，画家正式娶了这位使他一举成名的姑娘。
让·巴普蒂斯特·格瑞兹(1725～1805)是一个泥瓦匠的儿子，从小喜爱绘画，但没有被其父亲所理解，后来由画家出身的外祖父出面支持，才得以进里昂城学画。不久，格瑞兹又从里昂转到巴黎，继续入美术学院学习,并开始了他独立的艺术创作生活。在他21岁时，一幅带训诲剧味道的油画《给孩子读圣经的父亲》诞生了，这给他带来了声誉。接着，他创作了一系列油画:《乡村婚约》、《小鸟死了》、《父亲的诅咒》、 《被惩罚的儿子》、《破壶》等等。这些画的内容都是反映第三等级的道德生活的。可是这一幅《破壶》所给人的”教育作用”， 几乎是与画家原来的意图背道而驰的。画上的形象提供不了一点道德规范的意义，这也正是本文所要说明的地方。《破壶》的模特儿原是画家追慕中的少女，名叫安勒·卡弗列娥尔。她是一个旧书商的女儿，长得娇小活泼，明眸善睐。格瑞兹在与她热恋时，曾在一幅《鸽子与少女》上，画下了这位姑娘的美丽、稚气，展出后大获好评。于是，在狄德罗的启蒙思想影响下，他又以她为模特儿，画了这幅《破壶》。《破壶》的主题原是为了进行道德教育，而画家用古典肖像表现这种具有谴责性质含义的形象，就事与愿违了。其二，当时的所谓训诲画，一般都以某个故事情节来表现的，而格瑞兹没有这样做，他一方面出于订户需要，另一方面喜爱用这个已获成功的模特儿。因此形象告成后，只在少女的手腕上添了那只企图作为主题象征的破壶。按说，他这幅画没有达到说教的目的，是一幅不成功的主题画。可是当这幅画展出时，却又引起公众的强烈反应，从而提高了他在画坛的地位。不久，他正式娶了这位使他一举成名的姑娘。成了画家宠爱的妻子的这位姑娘，后来并没有给格瑞兹的生活带来幸福，相反，使画家的晚年极其孤独与凄凉。尽管结局不幸，而格瑞兹对这位姑娘的一颗美好的心灵却永久存留在这幅名画《破壶》上面。
123、手拿长棍的牧羊女毕沙罗 法国 1881年 布面油画 81×64.7cm 巴黎奥赛博物馆
毕沙罗从19世纪80年代开始，就把人物绘画作为创作的中心，只把风景作为人物日常活动的场景。这幅画就是人物创作的代表作。整个画面以人物为中心，小女孩穿着朴素，身体歪斜，坐在草地上，手里拿着一根树枝，眼睛专注地看着树枝的末梢，神态悠闲，一个活泼可爱又对生活无奈的农村小女孩的形象跃然纸上。这幅画参加了1882年第七届印象派画展。在印象派诸位大师中，毕沙罗是唯一一个参加了印象派所有8次展览的画家，可谓最坚定的印象派艺术大师。
卡米耶·毕沙罗（，1830-1903)，法国印象派大师。1830年生于安的列斯群岛的圣托马斯岛，1903年卒于巴黎。在他去世前一年，远在塔希提岛的高更写道：“他是我的老师。”在他去世后3年，“现代绘画之父”塞尚在自己的展出作品目录中恭敬地签上“保罗·塞尚，毕沙罗的学生”。在印象派诸位大师中，毕沙罗是惟一一个参加了印象派所有8次展览的画家，可谓最坚定的印象派艺术大师。
124、托尔斯泰在耕地列宾 俄国 1887年 布面油画 27.8×40.3cm 莫斯科特列恰科夫美术博物馆藏
这是画家列宾饱含深情画的一幅画。有人同样深情地配了一首诗：“枯坐书斋，读来读去都隔着一层纸；凭空写出的药方难起沉疴，不如赤足走进大地，亲自催着马匹扶起犁铧，让生活从自己身上犁过。如果感到疼痛，那就是来自大地的疼；如果感到激动，那是大地的脉搏在跳动。”
伊里亚·叶菲莫维奇·列宾（I·E·Repin 1844-1930），俄国19世纪末最伟大的现实主义画家，巡回览画派重要代表。出 生于哈尔科夫，在彼得堡美术学院学习。1873-76年先后旅行意大利及法国，研究欧洲古典及近代美术。回国后勤奋作画，创作了大量的历史画、风俗画和肖像画，表现了人民的贫穷苦难及对美好生活的渴望。1878年，他参加巡回展览美术协会。代表作品有《伏尔加纤夫》、《宣传者被捕》、《意外归来》、《查波罗什人复信土耳其苏丹》及《托尔斯泰》等。
125、西班牙乞丐女孩索罗金 俄国 1852年 布面油画 146. 莫斯科特列季亚科夫美术博物馆
清清的月光照在他的脸上，照见了那绝秀俊美的面庞；水泽的宁芙（水仙女）立刻爱上了这年轻的异乡人，于是从水中露出了她们美丽的胴体。拉住他提水壶的手臂–那是他未曾听过的娇媚的声音，没有见过的令人迷惑的眼神，还有那晶莹如玉的珍珠。于是年轻的英雄被迷惑了，背弃了他的主人，宁芙们把他拉到了永远冷静清幽的世界。充满柔媚情怀的笔触，美丽而又凄婉、甚至是冰冷的结局；谁也无法抗拒.它诉说的是一个充满哀伤梦幻和诱惑魅力的故事。
作者：埃夫格拉夫·谢苗诺维奇·索罗金（ 1821-1892），俄罗斯艺术家和教师，宗教画与风俗画画家。1821年出生在俄罗斯的科斯特罗马省。青年时期就喜欢美术，且天赋很高，当地一位牧师喜欢他的作品，委托他来装饰教堂，并建议把彩绘皇帝的画作呈献给沙皇尼古拉斯一世，给沙皇留下深刻印象，下令将他送到圣彼得堡帝国美术学院学习。在学习期间，他得到了学院委员会的表扬，并赢得了几枚银牌，后因所创作的《狮穴》和《民间英雄伊恩·乌斯穆茨》而各获得一枚金牌以及出国留学的奖学金。从1851年到1854年，他先后到西班牙和意大利留学，期间，访历了西欧和埃及、叙利亚。他的一些最著名的作品是在西班牙创作的。1859年，他回到家乡，被任命为莫斯科绘画、雕塑和建筑学院的教师，1861年，因绘制《天使报喜》，被任命为院士。其后为巴黎的新亚历山大涅夫斯基大教堂创作过肖像画；1878年，因所担负的为 莫斯科救世主基督大教堂监督绘制图像和装饰的工作，被提升为教授。他于1892年去世。
126、歌唱的男仆杰克 英国 约1990年 布面油画 私人收藏
这幅《歌唱的男仆》是杰克·韦特里亚诺最受欢迎的作品，它以海风阵阵的沙滩为背景，体现了其典型的艺术风格。踩在画家们的阳光沙滩上，周末我们去海边，让我带着你，带你去看太平洋，蓝天和白云。周末我们去海边，让我带着你，和你一起去夏威夷，夏天多美丽。杰克1989年第一次参加了皇家苏格兰学院的年度画展后，他的作品瞬间获得了成功。他的油画吸引了知名买家并带来了史无前例的价格，甚至连这些作品的复制品也成为了畅销品。
作者：杰克•韦特里亚诺（Jack 1951-），苏格兰画家，1951年生于苏格兰法夫，原名杰克·霍根，16岁时离开学校往当采矿，是一名采矿工程师。21岁生日时，女朋友送他一套水彩颜料，从那时起，他花了很多空余时间自学绘画。1989年，他提交了两份作品参加苏格兰皇家学院的年度展览，被接受参展，就在开展的当天，两幅画就卖出了。次年，他的作品很受欢迎，而他也进了伦敦皇家学院，从此开始了一个职业艺术家的新生活。在过往20年，杰克的作品受欢迎的势头持续强势增长。已在爱丁堡、伦敦、香港和纽约等地举办过个人画展。2004年是他职业生涯里特殊的一年，他的画在苏富比士拍卖行被竞拍到75万英镑，被誉为“让灵魂出窍的视觉艺术家”。从 2007年6月从他一直专注于私人项目，新推出的各种书籍，以及扎拉菲利浦斯的肖像油画，参加为慈善基金筹款赈灾活动等。他现居住在伦敦，尼斯他的家。
127、草地上的圣母拉斐尔 意大利 1506年 木板油画 现藏奥地利维也纳美术馆
对女性极致的赞美，莫过于欧洲各地几百年来一直流传着的一句话：“像拉斐尔的圣母一样。”拉斐尔是画家中画圣母像最好的一个，他的一系列圣母画中最好的就是这幅《草地上的圣母》，所以，这幅画是圣母画的第一。草地上，一个少妇正在照看两个嘻戏的幼儿，画面温馨自然。这幅画事实上拉斐尔借圣母马利亚之名，称颂了一般人类母性的光辉，更加体现了他的人文主义思想。以现实生活中的母亲和儿童作模特儿，将圣母、圣子理想化，形象温柔娴淑，完全是一个生活中年轻的少妇，洋溢着幸福和欢乐。三个人物都没有太多的表情，但从圣母微微低垂的眼帘，轻柔的放在圣婴背上的手，都让人能感受到圣母的善良，专注与慈爱。整幅画用的基本都是柔和的曲线，远处的山，草地上的小坡，圣母的衣裙。草地上的一枝红色花朵，和下方那一点点红莓，使圣母身上的红衣看着没那么孤单。一副好的作品，每一物，每一笔都有作者的用意。
拉斐尔( Santi，1483－1520)是文艺复兴“三杰”中最年轻的一位,他出生于意大利中部马尔比诺城的一个御用画师家庭，从小就受到了艺术的熏陶，年轻时失去双亲，由一位大公的妻子扶养成人。17岁时师从画风柔和的著名画家彼鲁基诺，在画室里受到了严格的训练，不仅学习绘画，而且学习数学、透视学、解剖学、化学、建筑学、文学、哲学等等课程。拉斐尔勤勉好学，聪慧异常，很快就掌握了老师的技艺。他的作品与老师的作品就像一个模子倒出来的，如果不署名，甚至分不清到底是谁的作品。拉斐尔作品的最大特色是平易近人，亲切自然。在他笔下，精心的推敲融合在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。1508年，拉斐尔25岁。他的叔叔、建造圣彼得教堂的负责人、著名建筑家布拉特曼，向尤利乌斯二世推荐拉斐尔来完成梵蒂冈的壁画。教皇尤利乌斯二世是个野心勃勃的人，他想把全意大利的优秀艺术家都集中到罗马，用艺术美化这座“永恒之城”，使罗马成为“全世界的中心”。这为拉斐尔提供了施展才能的机会，从1508年开始，拉斐尔历十年之久，完成了梵蒂冈的宏伟壁画。假如说，圣母像使拉斐尔有了自己的艺术风格，那么，梵蒂冈壁画则使拉斐尔的艺术创造力达到了顶峰。这些作品使拉斐尔成为文艺复兴三杰之一，与达·芬奇、米开朗基罗齐名。
128、三等车厢杜米埃 法国 约1863-1865年 65.4×90.2cm 布油彩 渥太华加拿大国家美术馆
杜米埃的风俗题材作品，大都是描绘他亲身经历过的事。三等车厢的状况，就是记录画家经常外出乘车的经历。画面拥挤的狭小空间里，突出描绘前排三个人物，概括表现后面一群人，以坐椅靠背分隔前后，这是生活中极平常的现象，但揭示了法国社会的等级制，在这三等车厢里坐着的都是处于社会底层的公民。三个主体特写人物中，最突出的是位满脸皱纹的老妇人，人们从她的神态可见她的生活经历。靠着她左右的两个人，一个入睡的少年和一位带婴儿的母亲，他们的形象本身可明白表现出他们的社会地位，背后的人群可从不同面貌的头像中体现不同人物的地位和个性。这有限的画面空间，成了法国下层社会的一个缩影。
奥诺雷·杜米埃（1808-1879年）是法国19世纪最伟大的现实主义讽刺画大师。他出生于马赛一个有文学修养的玻璃匠家庭。他最初从事版画创作，以尖锐的艺术语言揭露和讽刺社会的黑暗。他的艺术生涯始终与法国的现实主义相联系。为了真理和正义，他一生坎坷，遭到过监禁、罚款，作品被销毁，难以谋生。巴黎公社时投身于革命，被选为艺术家联合会执行委员。拿破仑三世为笼络人心，曾授予他“荣誉勋章”而被拒绝，他始终是位不屈的为正义奋斗一生的伟大现实主义大师。
129、贝尔登肖像安格尔 法国 布面油画 1832年 现藏巴黎卢浮宫
这一幅《贝尔登肖像》是安格尔所画的男子肖像中最精彩的一幅，如果说在他那些贵夫人的肖像上,线条在某种程度上让位于他所瞧不起的色彩,那么,在这一幅《贝尔登肖像》上,更强烈的成分不是色彩,而是耐人寻味的素描。面对真实的人物,线的绵密与一丝不苟把他的肖像艺术拓向一个更富陈述性的境界。《贝尔登肖像》作于1832年,作画之先,他为这位著名的法国《论坛报》(《 》)的编辑和创办人路易·弗朗索瓦·贝尔登先生已画了各种姿势的速写.到正式给贝尔登画油画肖像时,后者已66岁。画家把这位精力充沛的事业家用素朴的色彩与背景来加强他的形象表现力：他坐在椅子上,穿着黑色的衣服,胖胖的身材,气度不凡,一对锐利的眼睛煞是传神。嘴角露着一丝难辨的微笑.这位性格较沉着的鬈发老人,一下子抓住了观赏者的注意力，使人们深感肖像的神采奕奕。评论家戈蒂叶观后称赞这幅画是“生理的肖像,道德的肖像,……是整个时代的发现”。简言之,就是一个路易·菲利浦时代的事业家的崭新人物的发现。这里,素描的内涵超越了造型的一切手段.画家以细致入微的观察力,捕捉这个人物的典型性格特征。我们只要从贝尔登那双有力的,握在膝头的丰满的手,便足以令观赏者心悦诚服了。
让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean ，1780—1867），是继大卫之后法国新古典主义画派的最后代表。安格尔出生于法国西南部，从小就受到良好的艺术熏陶，在美术和音乐方面都颇有天赋。安格尔17岁到大卫画室学习，得到真传。两年后考入美术学院，获罗马大奖。5年后去罗马，把拉斐尔作为毕生崇拜的对象。其作品工整细致，用色鲜明和谐。曾两次去意大利长时间研究古典美术；在本国曾任巴黎艺术学院的教授多年。安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克洛瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。
130、阿尔及利亚的下午布里奇曼 54. 布油彩 伦敦马塔夫美术馆
浪漫主义画家喜欢描绘异国风土人情画面，多半出于对神秘东方的好奇，那充满色彩和具有浪漫情调的生活场面，引得许多西方画家纷至沓来。布里奇曼所画的这幅表现家庭生活情趣的画面，既可以帮助我们了解阿尔及利亚人的习俗，也可从他塑造的少女形态中获得审美享受。
弗雷德里克·阿瑟·布里奇曼(1847-1928年) 是美国19世纪下半期到20世纪上半期的画家，曾到过东方游历，画过一些富有东方情趣的风俗画。画家笔触爽快，营造的画面很有生活气息。
131、波赛尔夫人肖像戈雅 西班牙 1804-1805年 54.6×81.9厘米 伦敦博物馆
画中人是西班牙一位翻译家的妻子、画家的朋友。戈雅以豪爽的笔触和单纯的色彩塑造了一个西班牙年轻妇女的美的典型。画中人侧身转首看着画外，这使半身肖像产生动态的变化美，画家用心刻画人物的面部，那双明亮透露出自尊自信而坚定神情的大眼睛，闪烁着诱人的光芒。少妇充满青春生命力的健美身体和袒露的胸颈，隐含着诱人的魅力，她没有宫廷贵妇的娇媚和矜持，更没有珠光宝气，在朴实无华中表现出画家的审美理想和画中人的精神气质，是西方肖像画中的精品。柯尔宾斯基曾评论这幅肖像时就说过：“波塞尔的自然美和饱满的生命力，使我们心神迷恋。”
弗朗西斯科•德•戈雅(1746年3月20日-1828年4月16日)，出生于西班牙北部阿拉冈省萨拉戈沙附近的芬德托尔斯。弗朗西斯科·戈雅戈雅是西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱。早期喜欢画讽刺宗教和影射政府的漫画,贪婪的修道士,偷盗,抢劫,接生婆,全部被他画成魔鬼的样子.他的画集曾被制成扑克牌.他粗俗但充满真理的画风很受广大观众的喜爱.并为他招来各种审判.但他的修道士雇主一直袒护他.曾著有裸体的玛哈,曾将皇后容貌的缺点画出来。
132、迦纳的婚礼 委罗内塞 1562年至1563年，圣乔治修道院饭堂画 10米长 巴黎卢浮宫
画的内容取自《圣经》故事，讲的是耶稣和圣马利亚以及使徒们在约旦河畔的迦纳这个地方遇到一家人家正在举办婚宴，主人邀请他们一起参加，婚宴上大家饮酒欢庆，后来酒喝光了，耶稣将坛中的水变成了葡萄酒，大家又继续喝酒欢乐。画中有威尼斯的当代建筑、贵族商人和乐师等，委罗内塞在这些欢乐的人群中还画进了英国女皇、法兰西斯一世、土耳其苏丹、画家提香、丁托莱托和画家本人。据说，委罗内塞到了威尼斯以后，他发现这里的人们追求的并不是对宗教的虔诚，而是对生活的享乐，于是他饶有兴趣地把这些生活搬上了画面。可以看出，委罗内塞在绘画上，尤其是装饰性绘画上取得的成就是巨大的。他的画有着灿烂的色彩和独具匠心的透视，构成了令人眩目的效果，这对于后来十七世纪巴洛克绘画的影响十分深远。
保罗．委罗内塞（Paolo ，1528－1588）原名叫保罗．卡尔亚里，意大利威尼斯画派画家。以表现16世纪色彩丰富壮观的威尼斯场景的大型装饰画而著称。他出生于意大利威尼斯共和国维罗纳，在维罗纳和罗马求学，1533年奉召来到威尼斯装饰总督府的十人团会议厅。然后他留在威尼斯，与提香和丁托列托为作画委托展开竞争。艺术大师提香有两个伟大的弟子：丁托列托和委罗内塞，他们同时被誉为十六世纪意大利威尼斯画派三杰。
133、夏里亚宾肖像克斯托依列夫 俄罗斯 1921年 布面油画 藏于俄罗斯博物馆
这是克斯托依列夫肖像画中的一幅杰作。夏里亚宾（1873-1938）是最早被苏维埃政权授予“人民演员”的称号，是一位具有独创精神的艺术家，表演与人物、语言和歌唱高度融合，嗓音洪亮，音域宽广，富有表现力，也是最早涉足唱片业的音乐家。他演唱过歌曲《伏尔加船夫曲》、《跳蚤之歌》，主演过电影《可怕的沙皇伊凡》、《堂吉诃德》以及录有近200张唱片，享誉世界，深受各国人民的喜爱。画家看到了这位艺术家的伟大人格和迷人个性，并在画作中表现了出来。
作者：鲍里斯·米哈伊洛维奇·克斯托依列夫（Boris 1878-1927），俄罗斯画家，平面设计师和舞台布景设计师。擅长肖像画、风景画和静物画。他出生在俄罗斯阿斯特拉罕的一个神学院教授的家庭。父亲早逝，1893-1896年，在神学院学习，1896-1903，就读于圣彼得堡帝国艺术学院的列宾工作室。1896年，他第一次展出了自己的作品，受到列宾的好评。当列宾受命绘制一幅纪念国务院成立100周年的大型油画时，他受邀做列宾的助手，与老师一起完成了那幅画的右边部分。1904年后出访欧洲几个国家，画了许多肖像画和风俗画。1905年，他开始为文学作品作插图，1909年，他被选入帝国艺术学院施教。1911年后，他开始在剧院工作，设计布景。1916年，他截瘫了，仍然创作了《星期二》和《方坦卡》等回忆童年的作品。1917年俄国十月革命后，他为《红麦田》和《红全景》杂志所做的封面以其鲜明的主题吸引了人们的注意。1918年，他画了《商人的妻子》，这是他最著名的画作。1923年，他加入俄国革命艺术家协会。1927年5月28日，他在列宁格勒因肺结核去世。主要作品有《布尔什维克》 、《送冬节》等。
134、小丑华托 法国 布面油画 1718年 巴黎卢浮宫藏
这幅画 是华托在他短暂的生命中的最光辉时期为后人留下的一幅令人难忘的作品。画中人物叫吉尔斯，他是哑剧中的一个丑角，在他身后的其他喜剧角色半藏在极低的位置，而丑角无论在心理上还是画面上都被孤立着。他头戴滑稽的帽子，面容稚嫩却努力保持着镇静，好像拼命压抑要哭出来的感觉，两只手臂无力的下垂着，身着松松垮垮不合体的衣服，显现出孩子般的纯真和无辜。这个为人带来无数笑声的丑角在画家笔下变成了带有悲剧色彩的人物，是真实而没经过艺术加工的。他站在那里无奈地接受着人们的注视，那若有若无的苦笑暗示出他曾经经历的苦难。
华托(Jean—A ，1684—1721) 是法国18世纪罗可可时期最重要的也最有影响力的一位画家。他画了大量带有喜剧色彩的作品，而且还发明了一种浓郁的富有哲理的爱，而且都有背景相衬托。1684年10月10日生于法比交界、原属佛兰德斯的瓦兰希恩村，是一个烧砖瓦窑为生的农村手工业者的儿子。他于1702年到巴黎，最初在画店里当学徒，为趣味不高的雇主临摹一些销路旺盛的意大利、荷兰的古典作品。华多的代表作有《爱之园》、《任性的女人》、《意大利的喜剧演员》、《热尔森画店》、《舟发西苔岛》等。
135、九级浪艾伊瓦佐夫斯基 俄国1850年221cm×322cm 布 油彩 莫斯科 特列恰科夫美术馆藏
九级浪表现的是风暴中飘泊的人们，他们栖居在帆船的残余物上，为了生存，拼命挣扎，狂风巨浪，呼啸而来。暴风雨中的船与人，表现了人与大自然的抗衡，表现了自然的巨大力量与不可抗拒性。画面气势逼人，色彩动人，借以烘托人的大无畏精神。这是一幅关于人和自然的颂歌，使人震动，也使人动情，给人以难忘的印象。
伊凡·康斯坦丁诺维奇·艾瓦佐夫斯基(Ivan 1817—1900年)，亚美尼亚裔俄国画家，以海景画著名。出生在今亚美尼亚境内的一个商人家庭。16岁考入圣彼得堡美术学院，进伏罗比叶夫的工作室，18岁时就已画出成功的海景画，他以《风平浪静》一画获奖而使他有机会云游四方，饱览欧洲各地的海岸风光。23岁的画家赴意大利学习考察，画了一些富有浪漫主义情调的海景画，很快赢得了声誉。欧洲各国的美术学院竞相聘他。在那不勒斯时受到俄国大作家果戈里和大画家伊凡诺夫的鼓励。尔后又访问欧洲各国。27岁时回到彼得堡，科学院授于他院士称号，海军部聘他为海军画家。荣誉和财富接踵而至，但他并不迷醉于此，一年后毅然离开彼得堡回到故乡建立了自己的画室，专门描绘大海景色。
136、林妖的舞蹈柯罗 法国 1850年 油画 98×131厘米 藏巴黎卢浮宫
这是一幅体现柯罗风格最典型的风景画。在苍郁的树林中，笼罩着一层轻纱般的薄雾。清晨的阳光，穿过浓密的树阴，洒下一地斑驳的碎影。远山隐约，草地如茵，三五成群的林妖，以及喝醉了酒的牧人，在草坪上或跳舞唱歌，或相互追逐。柯罗以和谐的手法，淡雅的色调，描绘了如梦如幻的山林意境。
柯罗（1796.7—1875.2），法国杰出的风景画家。他目睹了美术史上的古典主义、浪漫主义、现实主义的兴衰，直至印象主义的兴起。因而在柯罗的身上染上了各个时代的混合色彩与艺术风格的因素。他40岁以后，成为巴比松画派的志同道合者，画风倾向于这个画派，与巴比松画家们共享自然写生的乐趣，成为一个在艺术上独具奇趣的风景画家。
137、夏普桑 法国 1660～1664年作 布上油画 巴黎卢浮宫藏
《四季》风景组画是普桑在生命结束前最后四、五年里完成的杰作，分为《春》、《夏》、《秋》、《冬》四幅。在这些风景画里，画家以富含哲理的形象，表达了他对自然、生命和人类的无限深沉的情感。这四幅画都以一个宗教故事为主题。《夏天》取自波阿斯答应路得在他田中捡拾稻穗，田野里庄稼成熟了，农民们在收割，贵族在指责着什么，武士在田头看守，画面呈暖色调，远处的蓝天、白云和城堡，更增加了画面的绚丽多彩。《夏天》以饱含哲理的形象，表达了普桑对自然、土地和生命的无限深沉的情感。在《春天》中，普桑采用了全景景观，而人物最多的《夏天》的焦点则放在中间远方，画家早期作品中无数元素在此重现，并被赋予更新、更丰富的回响。它们传达了最难以抗拒的力量，却又极其简洁与平实。
尼古拉斯·普桑（ ，1594－1665年)，是17世纪法国巴洛克时期重要画家，也是17世纪法国古典主义绘画的奠基人。他崇尚文艺复兴大师拉斐尔、提香，醉心于希腊、罗马文化遗产的研究。普桑的作品大多取材于神话、历史和宗教故事。画幅虽然不大，但是精雕细琢，力求严格的素描和完美的构图，人物造型庄重典雅，富于雕塑感；作品构思严肃而富于哲理性，具有稳定静穆和崇高的艺术特色，他的画冷峻中含有深情，可以窥视到画家冷静的思考。
138、雅典学院拉斐尔意大利1510年 壁画 279.4×617.2cm 梵蒂冈塞纳图拉大厅
雅典学院是古希腊唯心主义哲学家柏拉图兴办的。拉斐尔在这幅巨型壁画中，描绘了当时这个学院里的哲学家、科学家以及艺术家们进行学术探讨的热烈场面。画面中央边走边议的是柏拉图和他的弟子亚里斯多德，他们在激烈地争论着。虽然，柏拉图的老师苏格拉底在他兴办雅典学院时已不在人世了，但画家为了表现哲理的继承性，还是在左边的一组人物中画出了苏格拉底。而右边的则是天文学家托勒密，弯着腰在画几何图形的则是阿基米德，在他们的后面，戴着暗色无檐帽的是画家本人。左边的下方是以数学家毕达哥拉斯为核心的一组人物，还有一个伊斯兰教学者叫阿维洛依。在台阶上坐着沉思的是赫拉克利特，离他不远躺着第奥根……这样众多的人物、宏伟的场面、各种不同的形象性格，各种交错纵横的内在联系，拉斐尔竟能以严谨的布局和精心设计的层层深入的圆拱门古典建筑为背景的构图，表现得浑然一体，天衣无缝，足见画家的艺匠才智，非同凡响。
《雅典学院》是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为 基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式， 寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想， 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。
139、自画像丢勒 德国1498年板上油画 52×41厘米 现藏马德里普拉多美术馆
27岁时的自画像。丢勒很喜爱作自画像，这幅是他26岁时的作品画中的丢勒漂亮且受人爱慕的，自信又自负，俨然一个创造者和思想家。他身着精致的服装，头戴一顶带条格的软硬帽，卷发披肩，十分时髦。不长的浅色胡须，使他年轻的面孔显得庄重。丢勒曾说：每一个德国人都想有自己的“式样”，都期望自成一家。所以在丢勒的肖像画中，面部五官、尤其是眼睛和嘴的形体刻画，都具有十分强烈的个性特征：他的眼睛明亮，神态优雅，有着希腊人称为四角形的鼻子，相当长的颈项，非常宽阔的胸脯，令观赏者感到他的非凡相貌里所蕴含的天赋才能。
阿尔布雷特·丢勒 Durer (1471－1528)，出生在德国纽伦堡，13岁时，他画了一幅自己的肖像，形象生动、逼真。19岁时，他为父亲画的肖像，充分显示出成熟的素描功力。丢勒博学多才，不仅是画家，而且是数学家、机械师、建筑学家，在德国，丢勒享有很高的声誉。
140、收割勃鲁盖尔 尼德兰 木板油画 1565年 160. 纽约大都会博物馆藏
画家彼得·勃鲁盖尔画以农民为题材的居多。这幅油画作品，画面描写了一伙正在休息吃饭的农民，有的抱着酒罐子仰脖而饮，有的则拿着瓜瓢做成的大碗在吃着，充分勾画了浓郁的乡土气息。
彼得·勃鲁盖尔（ ，1525－1569）16世纪尼德兰地区最伟大的画家，也是欧洲美术史上第一位“农民画家”。生于尼德兰北方的荷兰省北部布拉班特州勃鲁盖尔村。他是欧洲第一个在绘画中自觉而大量地描绘农民形象的画家，一生以农村生活作为艺术创作题材，故有“农民的勃鲁盖尔”之称。他善于思想，天生幽默，喜爱夸张的艺术造型，因此人们又赠给他一个外号叫“滑稽的勃鲁盖尔”。他的艺术语言朴实亲切，散发着尼德兰的泥土香气。他的色彩非常沉着而富于变化，喜用平光，很少画物的投影，使其画面明快干净。
141、无畏号战舰透纳 英国 1839年 布面油画 原藏伦敦国家画廊，1987年被移入伦敦的透纳绘画馆
这幅《无畏号战舰》在2005年由BBC发起的公众投票中，被选为“英国最伟大的画作”。画上所描绘的是一艘准备退役的著名战舰的”特米雷勒号”，在金色的落日余晖下正被一艘小火轮徐徐拖向解体场港口。晚霞的色彩是一片火红：金红色的霞光在画面右边的天空划出几道色带。海水被夕阳照得分外耀眼，水面变成了通红的血色。在左侧，蓝、紫加上黄色，又组成一种调子，冷色与霞光的暖色划分得如此鲜明。横抹在水平线上的几道蓝调子给人以戏剧性的装饰感。周围是异常的宁静，黄昏使一切显得疲乏不堪，也包括那艘身经百战，如今要被彻底解体的赫赫有功的战舰。它那苍老的雄姿，在画上散发出一种哀感凄婉的气氛。这是一首诗，一首绘画诗。它吟咏的是老战舰的悲歌！
把一幅描写海上军舰的风景画予以人格化，这不能不说是艺术成熟的表现。战舰离开历史舞台，意味着人的战斗生涯的结束。”无畏号”参加过对拿破仑舰队的海战，在1805年建有卓越的功勋。此刻要拖向”坟墓”，自然使透纳触景生情，产生一种英雄暮年的悲凉情绪。以物思人，在画中尽情渲染，使这一幅浪漫主义的诗画具有震撼性的魅力。透纳一生画了大量海洋风景画。他通过对海洋上光与空气效果的研究，创造了自己独特的风格。看他的画，观者心情往往难以平静。阳光、烟霭、水气、浪雾……都是由纯粹的光的韵律所组合的。透纳倾向于把光表现为一种单纯的和绝对的因素，而风景本身似乎不再成为主题了，它只是借以表现透明与反射的白热光辉和灰色的尘粒的媒介。因此，有人称他的风景画是表现了”自然的崇高”。他运用丰富的色彩，使这种”崇高”达到顶点。
142、凭窗的亨德丽娅伦勃郎 荷兰 布面油画 1656年 88.5×67cm 柏林国家博物馆藏
这幅画被美术史上公认为最杰出的一幅油画肖像画，是伦勃朗为他的第二任妻子亨德丽娅画的。伦勃朗在51岁时破产，居住在阿姆斯特丹贫民区的一所破房子里，爱妻的离世更使他失魂落魄。亨德丽治开始是他的女仆，后耒成为他的妻子。伦勃朗以满怀的深情画下了这幅《凭窗的亨德丽娅》，以回报生命中的这份珍爱。亨德丽娅用手支撑着窗框，侧视着前方，正如同刚刚操持完繁重的家务来到窗前的片刻小憩一般。她身上散发出的那种端庄、贤淑、安祥的气质。她穿着一件穷人家的妇女常穿的宽大的罩衫，她的手是一双长年劳作着的粗壮有力的手，在画中羞于示人似的将手指收拢着。光线集中在亨德丽娅的额头和颈部，亮光如流水般地在她的肌肤之上流淌着，显得那么的高贵和娴雅。
伦勃朗( van Rijn 1606～1669),是世界美术史上一位伟大的荷兰现实主义画家，荷兰最杰出的肖像画大师，也是17世纪整个欧洲文化艺术的杰出代表人物之一。他在油画和铜版画方面，都有很高成就。伦勃朗1606年7月15日生于 荷兰莱登城郊磨坊主之家，1669年10月4日卒于阿姆斯特丹。他一生创作精力旺盛，给人类留下了极其丰富而珍贵的遗产——六百幅油画，三百幅版画和二千幅左右的素描的速写。画风质朴自然，画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画，善采取强烈的明暗对比画法，用光线塑造形体，画面层次丰富，富有戏剧性。
143、倒牛奶的女佣维米尔 荷兰 布面油画 1658年 45×41厘米 现藏阿姆斯特丹国立美术馆
在《倒牛奶的女仆》这幅作品中，观者心中自然会升起一种宁静祥和的感觉。画家在画中描绘了一个简陋厨房的一个角落，淳朴的妇人将陶罐中的牛奶缓缓倒下，阳光透过窗子照进来，屋子中的每一样物品都静静的，平淡无奇，但却充溢着一种时光的空灵之感，所有的一切都统一在和谐的气氛当中。当观者将视线停留在一个个局部上的时候，就会被画家描绘这些普通事物的耐心和技巧着实打动。画面上的桌布、毛巾、铜壶、竹篮、面包、流淌而下的牛奶、女仆专心致志的神态……画家在表现物体的质地、色彩和形状上都达到了完美的程度，同时又将这一切统一在黄、蓝、白三种整体的色调中，融合得恰到好处。
约翰内斯·维米尔（ ，1632—1675）荷兰最伟大的画家之一，但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。维米尔留传下来的作品只有40幅左右，其中多数都是绘画精品。被称为“荷兰小画派”的代表。
144、剧院包厢雷诺阿 法国 1880年 布面油画 99.4×80.7cm 美国克拉克艺术馆收藏
这幅画《剧院包厢》原先是受法国美术副部长埃德蒙·蒂尔凯委托的家庭肖像作品，不过画作最终并没有被接受。1880年鲁埃购下此画并将其送去参加1882年的第七届印象派群展。雷诺阿用深红色的背景窗帘抹去了原本的男性形象，画面中只留下年长的女性和低头凝视的少女。两人的衣着是一黑一白的纯色对比，在时尚之都的巴黎，越是正式而宏大的场合，女性衣服的袖口越短、领口愈低。在画面中看到的女性形象正是如此，低胸的礼服以一朵花点缀，她虽然面向画外，却没有拘谨和被动，而呈现出优雅姿态，轻松地倚靠在包厢座椅中。但这女孩虽漂亮，但脂粉气太浓，显得浮华，眼神空洞，难怪人家父亲不满意。
这幅画作于1880年。19世纪到剧院观看演出是上层社会重要的消遣方式，雷诺阿画过几幅表现剧院包厢的作品。据雷诺阿德画商介绍，这幅作品是一位客人为自己女儿定制的肖像画，因为对作品不满意而拒绝购买，画家就对黑衣女子作了修改，又抹去右上角的一位男子，把作品改成了当时流向的风俗画。
145、包厢弗里思 英国 1855年 34. 布面油画 英国普雷斯顿哈里斯美术博物馆藏
这幅画描绘的是剧院包厢里的一位年轻姑娘，她手持望远镜，可能是由于剧情或演员使她陷入深深的思绪中，这是一幅肖像性很强的风俗画。画中人物以半身特写姿式斜坐在画面上，画家着力描绘她的面容，尤其是一双深思的目光，其次是手,似乎手也在参与思考。单纯的暗背景衬托出了前景人物。画家以精湛的技巧描绘了人物衣着饰物的质量感，是一幅高度写实之作。
威廉·鲍威尔·弗里思 ( Frith 1819-1909年)，是英国19-20世纪初的维多利亚时期著名的现实主义画家。他于1819年1月9日生于约克郡的奥德弗尔德。1835年16岁时在萨斯绘画学校学习，18岁时入皇家美术学院。弗里思的早年创作多以文学作品为题材，如莫里埃和莎士比亚的作品，狄更斯对他的艺术十分赏识，这对他的发展有很大帮助。26岁时创作的《乡村牧羊人》使他饮誉画坛，因此被选为皇家美术学院院士。弗里思的艺术得以成功在于他描绘了英国的“尽情欢乐的百年时代”。他对这个时代的中产阶级的愉悦生活进行过认真的观察和记录，诸如海边假日、赛马旅游等，描绘了英国各阶层的人物形象。弗里思的现实主义创作和法国库尔贝有所不同。库尔贝是一种典型性和集中性的表现，是一种聚焦镜头，而弗里思是一种重叠性和附加性的描绘，是一种广角镜头。他把并不出现在同一时间的人和事附加在一块，作品中的细节的真实具有可读性。弗里思后期作品带有一定的批判现实主义成分，与荷加斯的讽刺艺术精神相似，都以动人的情节和夸张的感情描绘了维多利亚社会风情。弗里思不仅是杰出的风俗画家，也是优秀的肖像画家。1909年11月2日，90岁高龄的弗里思告别了人间。
146、仲夏夜蒙克 挪威 1899年 画布油画 101×91厘米 墨西哥 西蒙基金会藏
在这幅作品中，集中了画家两个最具代表性的主题：夜晚和亲吻。他执拗地多次在作品中以它们为题进行创作。通过基本色调的搭配，他把天空的夜色表现得淋漓尽致。像其它人物画一样，这幅作品又刻画了人生的周期性。他把四对看不见面孔和相拥着几乎溶为一体的恋人，放在路上供人欣赏。他们看上去，与其像沉溺于爱情的恋人，更像是夜色下的幽灵。
爱德华·蒙克（ Munch，1863年12月12日 – 1944年1月23日）是挪威表现主义画家和版画复制匠。伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。爱德华·蒙克是具有世界声誉的挪威艺术家，他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料，德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。他对心理苦闷的强烈的，呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。
147、春普拉斯托夫 苏联 布面油画 1954年 莫斯科特列恰科夫美术博物馆藏
普拉斯托夫是苏联人民艺术家，他那富有诗意的画在50年代曾风靡中国。这一幅《春》是他的代表作，也是一幅富有观赏性的佳作。描绘的是俄罗斯民间寒冷地区的传统风俗，户外冬浴，以除旧岁。画上背景是一家农户的后院，一个健壮美丽的少女裸着身体，正在给浴后的小妹妹穿衣服。少女丰满健壮，肌肤呈粉红的色彩，在画上具有醒目的位置。圆木堆砌的旧式院子十分狭小。积雪压在院墙上，呈现一片晶蓝色。飞絮飘零，象征俄罗斯大地的严寒。可是院内铺满着黄黄的新草，两者对比强烈，春意盎然。左边有一水桶，表明姐妹俩刚结束淋浴，又斟满一桶水。右边架板上有一脸盆，里面是换下来的内衣裤。这幅画的总体色彩是明快与温馨的。飘拂的雪花，更添俄国的风情。画上寒暖的对比，被中间裸体少女的肤色及其长长的披肩金发所强化，从而洋溢着一种喜悦与欢快的情绪。画家将此画题为《春》，其用意即在于此。这里的春，既没有抽芽的嫩枝，也没有早开的鲜花。它所展示的尽是令人兴奋的寒意。这就使人们想起雪莱的名句：“如果冬天到了，春天还会远吗？”普拉斯托夫在用民间喜闻乐见的春意形象，来歌颂春的“女神”，歌颂俄罗斯的风俗美。这幅画的形式感也颇多新意：圆木的横线条，疏朗的竖线条，映衬出动人的人体弧线，其间还有人体所散发的微微蒸汽。线与色，寒与暖，加上色泽干净的大笔触与细处理，使形式表现强而感人，画面有很大的感染力。
阿尔卡迪·普拉斯托夫(Пластов, Аркадий Александрович 1893～1972)，苏联人民艺术家、苏联美术研究院院士、斯大林奖金和列宁奖金获得者。1893年1月18日生于俄罗斯乌里扬诺夫斯克的农村中，1972年5月12日卒。1912～1914年，在莫斯科绘画雕刻建筑学校学习。十月革命后，回到故乡，被选入村苏维埃，担任贫农委员会书记。直接的生活经验，确立了普拉斯托夫终生的创作题材：通过农村生活和农村劳动者的形象，表现新的苏维埃时代。1938年，他的作品《沐浴的马群》参加了苏联红军建军20周年美展，这是普拉斯托夫进入创作成熟期的标志。这之后他创作的许多作品，都以同样的热情表现苏联集体农民，代表作如《收获》(1945)、《割草季节》(1945)、《集体农庄的打谷场》(1949)、《拖拉机手的晚餐》(1951)、《春》(1954)和《夏》（1959～1960）等。这些作品色彩丰富，明暗多变化，生活气息强烈，也很富于诗意。普拉斯托夫1946年获斯大林奖章，1947年被苏联美术院授予院士称号，1966年获列宁奖章，1972年获国家列宾奖章。
148、加歇医生像凡高 荷兰 1890年 布油彩 巴黎奥赛博物馆
凡·高在自杀前一个月为精心照顾他的加歇医生画了这幅肖像。他自己说：“我希望画一位艺术家友人的肖像，他满怀伟大的理想。我希望把我对这个人的感觉和爱慕之心画进作品里。我夸张了他的头发的金黄色，在头像后面我不画小屋的普通墙壁，而用我调配得极为丰富、极为强烈的蓝色涂出无限深远的背景。由于这种单纯的配合，使金黄色头发的头部，在这丰富的蓝色背景上发光，像星星嵌在深沉的碧空中。”这幅画1990年5月15日纽约克里斯蒂拍卖行在3分钟内以8250万美元的价格拍卖给了日本第二大造纸商– Ryoei Saito先生。创下了当时艺术品拍卖价格的世界最高纪录，这个纪录一直保持到2004年5月5日。稳坐世界最昂贵艺术品宝座长达14年之久。
1990年5月15日，这幅画在纽约佳士得拍卖行,在3分钟内以8250万美元的价格拍卖给了日本第二大造纸商斋藤先生，创下了当时艺术品拍卖价格的世界最高记录。在这幅作品中，人物姿态安详，沿对角线呈倾斜姿势，从画布左上角至右下角贯穿整个画面，削瘦的身体用肘臂支撑着，以保持完全平衡。但是，透过笔触、构图以及人物四周的空间，画家紧张而悲哀的心情一目了然。它预示画家即将感受到更加深重的痛苦。背景使用灰蓝色的连续曲线，产生如旋涡般的效果。木然的神情与变动的背景形成对比。
1990年5月15日，短短3分钟，梵高的《加歇医生肖像》成为世界上最贵、曝光率最高的作品，但原作很快就消失在人们的视野中，直到现在，作品的下落仍旧是谜。
作品经历过山车般的价格攀升，到引发丑闻，都始于纽约佳士得拍卖场上，《加歇医生肖像》经历了最为激烈的竞争，竞拍者似乎不把钱当钱。4800万美元、4900万美元、5000万美元……价格一路飙升，最后，拍卖师以7500万美元的价格落槌。加上佣金，作品总成交价为8250万美元，这件作品比此前交易的梵高最高价作品还高出3000万美元，创下了当时的艺术品拍卖世界纪录。这笔交易使西方现代绘画第一次拍下这么高的价格，开启了现代绘画，尤其是“印象派”绘画交易的天价时代。
不久，日本静冈县出生的企业家斋藤了英宣布，他就是《加歇医生肖像》新的主人。此外，1990年5月17日拍卖的另一件昂贵的作品——以7810万美元成交的雷诺阿的《红磨坊的舞会》也在斋藤手上。两天之内，斋藤拥有了世界上最贵的两件作品，他的炫富之情无以言表。然而，斋藤只与他千里迢迢购买来的名画相处了几个小时，就将作品锁进了有控温控湿设备的保险柜中。作品一直保存在那里，没有任何人碰过，也没有任何人再看到过。
1993年，斋藤被指控因打算建高尔夫球场而贿赂官员，具有讽刺意味的是，他的高尔夫球场的名字就是梵高的姓——文森特。在其被判有罪的时间里，他曾表示，在他死后，将和梵高的名作一起焚化，一起埋葬，虽然后来，他申明这只是开个玩笑，却引发了美术界的反感。
1996年，斋藤因脑血管梗塞逝世。在他死后，《加歇医生肖像》的归宿却成了一个谜，这幅画的新主人是谁？是斋藤的后人？还是他的朋友？或是他的债主？甚至人们都不知道作品现在何处？——法国？日本？美国？瑞士？博物馆和拍卖公司的相关人员都在打听作品的归宿，但得到的大多只是猜测。20多年来，《加歇医生肖像》似乎已经消失在国际艺术品市场这潭深水之中了。
149、星月夜凡高 荷兰 1889年 布油彩 纽约现代美术博物馆
这幅画具有象征意义，他使用短线笔触组成激荡旋转的宇宙，11颗大小不等的星辰聚集在月亮周围翻滚着，近景的柏树象撕裂燃烧的一座哥特式教堂。星辰和月亮暗示使徒和耶稣的关系。也有人把这幅画看成是太阳系的“最后的审判”。宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。实际上这是凡·高的一种幻象，他小心地运用火焰般的笔触传达出来，常人是很难理解和表现的。他所看见的夜空就是一个奇特的月亮、星星和幻想的慧星的景象；它所给人的感觉就是陷入一片黄色和蓝色的漩涡之中的天空，仿佛已经变成一束反复游荡的光线的一种扩散，使得面对自然的奥秘而不禁战战兢兢的人们，顿时生起一股绝望的恐怖。
文森特·凡高（ van Gogh 1853-1890），荷兰后印象派画家，表现主义先驱，影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士，最后他投身于绘画。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。1888年，来到法国南部小镇阿尔，他的创作真正进入了高潮，已经摆脱印象派及新印象派的影响，使作品具有个性和独特的风格。同年与高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的癫疯病时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画，后在精神错乱中开枪自杀，两天后于1890年7月29日去世。在凡高短短的37年生命里程中，在他10年的创作时间和两年半的黄金期里，他共创作了油画800多幅，素描1000多幅和水彩画约150幅。
150、教皇英诺森十世像委拉斯贵支 1650年 油画厘米罗马 利来-庞斐利画廊
委拉斯贵支在1649年第二次去意大利时在那里完成了一幅著名的肖像画,在这幅肖像中,画家既表现了此人的凶狠和狡猾,又表现了这个七十六岁老头子精神上的虚弱。画面上的教皇,尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情,但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点使人物形象变得更富有个性。从而给观众增加了很多的联想。这幅作品的油画技巧也是十分出色的。画面上,火热的红调子表现了特有的宗教的庄严气氛;白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由,表现出艺术家的高超技巧。
迭戈·德·席尔瓦·委拉斯贵支（diego de silva 1599-1660），是17世纪上半叶西班牙杰出的绘画大师，巴洛克式画家，也是西班牙具有贵族威严的绘画巨匠。他24岁入宫，成了腓力四世的宫廷画家。但是，他的艺术并没有因身在宫内而受到束缚，他不仅画君王、王后、王子、公主，也画乞丐、侏儒、白痴和无权无势的朋友；他不仅画《圣经》主题，也借希腊神话主题画风情画、风俗画和人体画。代表作品有《教皇英诺森十世肖像》》、《宫娥》等。
